Als Frau in der Krumpwelt – ein Interview mit Dicko Andrea Din aka Girl Aura

Mein Name ist Lucia Matzke aka Sista Tide und ich bin Krumptänzerin und Tanzvermittlerin. 2022 habe ich ein Jahr lang mit Aktion Tanz e.V. als sogenannte associated artist im Rahmen des Projektes „RECONNECT PARTICIPATIVE DANCE – CONNECTING COMMUNITIES“ zusammengearbeitet. In diesem Kontext habe ich u.a. Kurztexte über meine Arbeit und meinen Bezug zur Krump Kultur geschrieben. Dieser Text soll sich der Frage widmen, wie es ist, als Frau Teil einer Tanzkultur zu sein, die größtenteils aus männlichen Mitgliedern besteht. Eine große Frage, über die man sicherlich auch eine Doktorarbeit schreiben könnte. Da ich diesbezüglich nicht nur meine Perspektive schildern möchte, habe ich meine Tanzkollegin und Freundin Dicko Andrea Din interviewt. Gemeinsam haben wir uns ausgetauscht, was es für uns bedeutet, in der männerdominierten Krumpwelt zu sein, welche Erfahrungen wir damit verbinden und wo wir Veränderungen wahrnehmen.

Die Schilderungen sind natürlich subjektiv und können daher nicht als repräsentativ für die gesamte Krumpwelt stehen. Bevor ich aber nun ins Detail gehe, ein kleiner Überblick über das was Krump überhaupt ist.

Krump ist eine Kultur, ein Lifestyle – „Krump is life“
Anfang der 2000er schlossen sich ehemalige Clown-Tänzer*innenzusammen und erschufen Krump. Sie suchten nach Ausdrucksmöglichkeiten, einem Tool für das Verarbeiten und Gefühlen und Erfahrungen sowie nach Halt. Krump ist daher nicht nur ein Ausdruckstanz, sondern für Viele, die auch heute Teil der Kultur sind ein wichtiger Bestandteil ihres Lebens. Sie finden hier Halt und Unterstützung von anderen Tänzer*innen und erleben durch den Tanz ein Gefühl der Selbstermächtigung. Wer mehr darüber lesen will, kann gerne meinen letzten Blogeintrag lesen.

Damals als Krump entstand waren die aktiven Mitglieder der Kultur überwiegend junge Männer. Es gab zwar auch Tänzerinnen, wie bspw. Miss Prissy, eine der Begründer*innen von Krump, aber im Verhältnis waren es viel weniger Frauen als Männer. Auch heute sind es nach wie vor mehr Männer, aber die Anzahl der Frauen in der Szene ist deutlich gewachsen und wächst weiter. Welche Rolle spielen die Krump Tänzerinnen in der Szene?

Ist Krump eine maskuline Art sich zu bewegen?

Auf den ersten Blick wirkt Krump hart und aggressiv und viele würden die Bewegungen als eher typisch männliche Bewegungen einordnen. Das schreckt manche Frauen und junge Mädchen oft erstmal ab. Und trotzdem sind Viele fasziniert von der Art und Weise, wie Krumper*innen sich bewegen: So stark und authentisch. In Krump-Sprache würden wir „raw“; „real“ und „buck“ sagen. Wie auch die anderen, die heute Krump tanzen, haben Dicko und ich Krump gesehen und dachten „Das will ich auch“. Trotzdem war es erstmal eine Überwindung. Dicko beschreibt, wie sie das erste Mal zu einer Krumpklasse in der Flyingsteps Academy ging, nachdem sie Krump Tänzer in einem Film gesehen und Feuer gefangen hatte: „Erst habe ich mich nicht hin getraut – in den Videos sah ich immer nur diese großen breiten Männer, bzw. größtenteils nur Männer. Vollgepackte Arme, Muskeln, in den Schritt greifen etc. Ich war da gerade 16 Jahre alt, also mitten in der Pubertät, und wollte dann auch so tanzen, das war erstmal ein komisches Gefühl. Beim 2. Anlauf habe ich mich dann hin getraut und seitdem bin ich am Ball. Aber im Kurs selbst war es dann sehr entspannt, da es ein Anfänger* Kurs mit vielen Mädchen war und der Lehrer, Pao aka Paniq, ja auch sehr entspannt ist.“

Ich habe das ähnlich erlebt und auch heute, wenn ich selbst Workshops anleite, bekomme ich oft Feedback- insbesondere von Frauen, die erstmal etwas abgeschreckt sind, bzw. daran zweifeln, dass diese Art sich zu bewegen, auch für sie „als Frau“ passen könnte. Der Wendepunkt kommt dann meistens, wenn sie die Bewegungen nicht nur von außen betrachten, sondern selbst spüren. Auf einmal erleben sie am eigenen Leib, dass die vermeintlich männlichen Bewegungen ein Gefühl der Stärke und Selbstermächtigung (empowerment) in ihnen auslösen und das fühlt sich gut an. Auch als Frau.

Ich war letztes Jahr in einem Krump-Tanztheater Stück „A Human Race“ von Grichka Caruge. In einer anschließenden Q&A Runde teilte ein Zuschauer seine zunehmende innere Abneigung gegen die Darstellung, da er der Meinung war, dass ausschließlich männliche Formen der Gefühlsausdrücke gezeigt wurden und selbst die beiden Krump Tänzerinnen hätten männliche Wut präsentiert. Der Großteil des Publikums widersprach und stellte ihm die Rückfrage, was seiner Meinung nach denn weibliche Wut sei oder wie diese auszusehen habe. Ich möchte hiermit nicht behaupten es gäbe keine männliche oder weibliche Energie oder Art sich zu bewegen. Natürlich gibt es das, aber das bedeutet nicht, dass nicht auch Frauen sich vermeintlich männlich bewegen könnten oder umgekehrt. So ein Feedback kommt meistens von Personen, die nur einen oberflächlichen Eindruck von Krump haben und sich direkt eine Meinung bilden.
Ich glaube, jede*r trägt beides in sich (weibliche und männliche Energie/ Art sich zu bewegen) und es kommt auf dich an, was du davon annimmst und was nicht. Krump gibt dafür den Freiraum, denn in Krump kannst du nicht nur so tun als ob. Du musst die Bewegungen aus einer inneren Überzeugung herausmachen, um authentisch und „real“ zu sein. Wie du dich bewegen willst, kannst du nur durchs Ausprobieren herausfinden.

Dennoch gibt es innerhalb der Krump Welt andere Situationen, in denen es zu Konflikten kommt, die Frauen ggf. anders gelöst hätten, als einige der Männer in der Krump-Szene.

Beef und Kräftemessen

Beef ist definitiv ein Teil der Krump-Kultur und beef zu haben bedeutet so viel wie Stress oder eine Auseinandersetzung mit jemanden zu haben. Häufig geht es um Szenen interne Sachen, z.B. entsteht beef, wenn der einer den anderen schlechtmacht und behauptet er sei nicht „real“ oder sein Krump sei „whack“ (also schlecht/schwach). „Dann fühlt sich einer angegriffen und hat das Gefühl, er müsse sich verteidigen. Und diese Situationen gingen eigentlich immer von den Männern aus. Ich kann mich an keine Situation erinnern, wo sowas von einer Frau ausging- also wo eine Frau auf beef aus war.“, beschreibt Dicko eine typische beef-Situation, „Und ich kann dir nicht sagen, ob es daran liegt, dass Frauen eher ihre Meinung für sich behalten, selbst wenn sie sowas auch denken, oder ob Frauen überwiegend einfach Krump komplett anders sehen.“

Ich sehe das ähnlich: Nicht selten hatte ich eine Konfrontation mit einem männlichen Mitglied aus der Krump Szene, wo es darum ging, dass jemand beef anzettelte und mir dann gesagt wurde, ich müsse es tänzerisch in einem Battle klären. Wenn ich mich sträubte, kamen Kommentare, wie: „Das ist aber Teil der Krump-Kultur“ oder „Du musst das lernen, um Krump richtig zu verstehen und zu leben“. Und ja, ich stimme zu, dass das Sich-battlen ein essenzieller Teil der Krump Kultur ist, aber in manchen Situationen finde ich es wichtiger, dass Konflikte in einem Gespräch geklärt werden.

Das ist dann ein Moment, in dem ich in meiner Rolle als Frau mit anderen Vorstellungen an meine Grenzen komme und mir die Frage stelle: Bis wohin muss ich gewisse Praktiken als Teil der Kultur genauso reproduzieren und mitmachen und inwieweit kann ich mir und meiner eigenen Sichtweise treu bleiben? Basiert dieser Konflikt tatsächlich auf dem Unterschied zwischen einer „weiblichen“ und „männlichen“ Art, Konflikte auszutragen?

Frauen untereinander in der Krump-Szene

Dicko ist Teil der Aura Fam und repräsentiert den Namen Girl Aura. Die Aura Fam ist eine reine Frauen Fam- also Familie in der Krump Welt, was so viel bedeutet wie eine Gruppe, die zusammen trainiert, aber sich darüber hinaus auch austauscht, prägt und zusammenhält. Auf meine Frage, inwiefern es ihr hilft, sich regelmäßig mit anderen Frauen in der Szene auszutauschen, entgegnet mir Dicko Folgendes: „Es hilft mir schon, dass ich innerhalb der Männer dominierten Krumpwelt so viele Frauen um mich herumhabe. Es kommt häufiger vor, dass mir, oder anderen Frauen gesagt wird, dass wir die Krump Kultur nicht richtig verstehen würden, oder dass man nicht stark genug für Krump sei. Aber das bezieht sich dann nur auf deren Interpretation von Krump. Denn wenn ich mich, vor allem mit anderen Frauen austausche, die selbst auch ein fester Bestandteil der Szene sind, dann haben die wieder ähnliche Ansichten und ein ähnliches Krumpverständnis wie ich. Und dann denke ich mir, ich muss nicht so und so sein, ich muss mich nicht ständig behaupten, oder jemanden aus der Session schubsen, ich kann es auch ein bisschen ruhiger angehen. Ich kann auch mal emotionaler an die Sache rangehen und muss nicht immer strategisch sein. Wenn mich beispielweise was berührt, muss ich das nicht zwingend in einem Battle klären. Konflikte können auch von Mensch zu Mensch geklärt werden und nicht immer nur Alphawolf gegen Alphawolf. […] Krump kann bei Konflikten nur bis zu einem bestimmten Grad helfen und dann muss man halt einfach miteinander reden. Im Endeffekt geht es im Tanz dann eher um die Skills. […] Dann ist das Battle vorbei, eine*r hat gewonnen und was klärt das jetzt? […] Das ist die andere Seite der Medaille. ‚Krump is life‘, aber manchen steigt das dann zu Kopf.“

Battles, Events und Kategorien

Neben den Battles, die jederzeit zwischen zwei Tänzer*innen stattfinden können, gibt es große und kleine Krump-Turniere, in denen sich Krumper*innen aus aller Welt treffen, um gegeneinander anzutreten. Gerade bei größeren Events gibt es verschiedene Kategorien. Häufig wird wie folgt unterteilt: „Junior“; „Female“ „Male“.

Also gerade hier wird deutlich, dass dieses Kategorie Denken definitiv noch eine Rolle spielt.
Wieso das so getrennt wird weiß keiner so genau. Dicko’s Kommentar dazu: „Ich finde das generell nicer, wenn es gemischt ist. Ich verstehe nicht, warum das so getrennt wird. Andererseits, wenn ich mir Videos von früher anschaue, sehe ich, dass die Krump Tänzerinnen damals oft ein schlechteres technisches Level hatten, als die Krump Tänzer, aber heute ist das nicht mehr so. Heutzutage könnten einige Mädels die Dudes im Turnier schlagen. Ich kann mir vorstellen, dass es damals so getrennt wurde, um den Tänzerinnen eine Plattform zu geben, da sie auch in der Unterzahl waren und dass das nun einfach beibehalten wurde.“

Inzwischen gibt es auch einige, die das hinterfragen und gerade bei kleineren Battles gibt es andere Kategorien, wie zum Beispiel in „Anfänger*innen“ und „Fortgeschrittene“, die Männer und Frauen somit mischen. Leider kommt es manchmal zu zwar gut gemeinten, aber in ihrer Wirkung sexistischen Kommentaren, wie zum Beispiel in dieser Situation:
Was ich immer komisch finde ist, wenn der Host[Moderator] bei einem Event sagt: ‚Make some noise fort he Ladies‘- Wieso denken die, dass wir ein special shoutout brauchen?
Oder wenn eine Tänzerin eine gute Runde getanzt hat und dann wird sowas gesagt, spielt das ihre Leistung eher wieder runter und ich würde dann am liebsten das Mikrophon nehmen und rufen“ Yeah and make some noise fort he guys,too.“- es reicht zu sagen: ‚Deine Runde war krass‘ Und es ist unnötig zu sagen ‚Deine Runde war krass, wenn man bedenkt, dass du eine Frau bist‘“

Solche Kommentare wie Dicko beschreibt sind wie bereits gesagt, meistens ja gar nicht böse gemeint. Gerade viele Männer in der Szene begrüßen es sehr, dass immer mehr Mädchen und Frauen sich für Krump interessieren und die Community erweitern. In so einer diversen Community, wie es sie in Krump gibt, ist es normal, dass es immer wieder Reibungspunkte gibt und Dinge neu ausgehandelt werden müssen. Dicko’s Rezept hierfür ist wie folgt:
Wenn ich einer anderen Meinung bin, dann respektiere ich die Meinung zwar, aber nehme sie nicht ein. Wenn es aber ein Rat ist, der mich persönlich fordert, oder weiterbringen kann, obwohl ich dafür vielleicht was machen muss, das ich nicht machen will, nehme ich mir das zu Herzen. Die reine Erfahrung bedeutet für mich nicht, dass diese Person immer recht hat.

Ziel des Projekts „Connecting Communities“ war es, neue Impulse für das Feld des partizipativen Tanzes zu setzen. Hierfür kooperierte Aktion Tanz mit den Tanzkünstler:innen Jo Parkes und Lucia Matzke sowie dem Künstler:innenkollektiv „Nomadic Academy“, bestehend aus Anna Konjetzky, Sahra Huby, Carolin Jüngst und Quindell Orton.

Nach gemeinsamen Leseclubs, der Veröffentlichung von Podcasts, Videos und Artikeln auf der Website von Aktion Tanz mündete das Programm des Projekts in einer dreitägigen Autumn School (25. – 27. November 2022), um Formate aus der künstlerischen und vermittelnden Praxis zu teilen.

Die Autumn School war eine Veranstaltung für Menschen, die im Bereich des partizipativen Tanzes oder Community Dance arbeiten oder arbeiten wollen. Einige Formate waren darüber hinaus für alle Tanzinteressierten, die Lust auf gemeinsame Tanzerfahrungen hatten, offen. Kuratiert von den assoziierten Künstler:innen von Aktion Tanz erwartete alle Teilnehmenden ein Wochenende voller Impulse sowie Austausch- und Vernetzungsmöglichkeiten.

Drei thematische Stränge rahmten das Wochenende der Autumn School: ‘Taking care’, ‘Stepping outside’ und ‘Working local, connecting global, towards solidarity’. Diesen Themenbereichen näherten wir uns in praktischen Workshops, Paneldiskussionen, Stadttouren, Spaziergängen, Reflexionsrunden und digitalen Formaten. Angeleitet wurden diese von den assoziierten Künstler:innen und Gastdozent:innen.

Der Film dazu gibt einige Einblicke in die dreitägige Veranstaltung.

Wir bedanken uns herzlich bei allen Teilnehmer:innen und auch bei unserem internationalen Team an Beitragenden: Addisu Demissie, Alper Yildiz aka Domyno, Anna Konjetzky, Carolin Jüngst, Dodzi Dougban, Jo Parkes, Krissie Marty, Laura Saumweber, Lucia Matzke, Neve Mazique-Bianco, Noa Winter, Nora Amin, Quindell Orton, Raina* Hofer, Roshmi Lovatt, Sabine Noll, Sahra Huby, Sangeta Isvaran und Sonia Ntova.

Vom 25. – 27. November 2022 laden wir zur autum school nach Freiburg ein. Das Programm steht und Anmeldungen sind ab sofort möglich!

„Connecting Communities – autumn school“ ist eine Veranstaltung für Menschen, die im Bereich des partizipativen Tanzes oder community dance arbeiten oder arbeiten wollen. Einige Formate sind darüber hinaus für alle Tanzinteressierten, die Lust auf gemeinsame Tanzerfahrungen haben, offen. Kuratiert von den assoziierten Künstler:innen von Aktion Tanz erwartet uns ein Wochenende voller Impulse sowie Austausch- und Vernetzungsmöglichkeiten.

Drei thematische Stränge rahmen das Wochenende der autumn school: ‘Taking care’, ‘Stepping outside’ und ‘Working local, connecting global, towards solidarity’. Diesen Themenbereichen nähern wir uns in praktischen Workshops, Paneldiskussionen, Stadttouren, Spaziergängen, Reflektionsrunden und digitalen Formaten. Angeleitet werden diese von den assoziierten Künstler:innen und Gastdozent:innen.

Autumn school – analog und digital
In Kooperation mit dem Theater Freiburg, dem E-Werk Freiburg und dem bewegungs-art e.V. Freiburg freuen wir uns, Sie und euch dort begrüßen zu können! Alle, die nicht anreisen können, haben die Möglichkeit, an den digitalen Angeboten teilzunehmen. Teilnehmende vor Ort können diesen Veranstaltungen natürlich ebenfalls beiwohnen. Das digitale Angebot ist in einem gesonderten Programm erfasst.

Programm in deutscher Sprache

Programm in englischer Sprache

Anmeldung und Registrierung
Hier geht es zur Anmeldung
Eine Anmeldung ist für alle drei Tage oder auch einzelne Tage möglich. Dies gilt auch für die digitalen Angebote.
Bei parallellaufenden analogen Angeboten erfolgt die Registrierung für die Einzelveranstaltung am Tag der Veranstaltung vor Ort.
Teilnahmegebühren fallen nicht an. Anmeldungen sind verbindlich!
Anmeldung bis 31.10.2022 erbeten.

Fragen zur Veranstaltung bitte an reconnect@aktiontanz.de richten.

Infos zu den Themenbereichen

Taking care

Dieser Themenbereich beschäftigt sich mit der Idee der Fürsorge. Wer kümmert sich um wen? Wie kann uns der Tanz dabei helfen, für uns selbst und andere zu sorgen? Wer schafft Zugang und für wen? Wie können wir ethische Projektstrukturen und -praktiken entwickeln, in denen die Ziele und Bedürfnisse aller Beteiligten ausgehandelt werden? Welche Räume können Dissens, Reibung, Mut und die Verhandlung komplexer Erfahrungen zulassen und gleichzeitig die Sicherheit der Teilnehmenden gewährleisten? Wie können wir wohlbehalten langjährige Karrieren in diesem herausfordernden Bereich aufrechterhalten? Wie kann eine feministische partizipatorische Praxis dazu beitragen?

Stepping outside

Stepping outside beschäftigt sich mit einer Reihe von Praktiken, die darauf abzielen, nach außen zu wirken, indem man die enge Welt der Tanzräume verlässt und Begegnungen schafft. Kann uns die Forschung mit dem Körper helfen, Begegnungsräume zu eröffnen und diese zu gestalten? Kann uns die Arbeit in öffentlichen Räumen – Spaziergänge, Besuche, Führungen, Workshops, offene Klassen – darin unterstützen, aus unseren eigenen Resonanzräumen auszubrechen, in denen wir ausschließlich Informationen und Ideen begegnen, die unsere eigenen verstärken, um so die Interaktionen in unserer Arbeit zu erweitern? Gibt es Praktiken, die wir insbesondere während der Pandemie entwickelt haben, die uns miteinander verbinden und die wir beibehalten wollen?

Working local, connecting global, towards solidarity

In diesem Bereich befragen wir globale Verbindungen lokaler Projekte und hinterfragen Aspekte globaler Verantwortung und Solidarität. Wie arbeiten Tanzkünstler:innen in unterschiedlichen Ländern mit ihren lokalen Communities? Welche Faktoren beeinflussen ihre Arbeit und welche Veränderungen hat die weltweite Pandemie hervorgebracht? Wo und wie können wir international Expertise, Erfahrungen und Ressourcen austauschen und wie gestalten wir internationale Kooperationen in Zeiten der Klimakrise?

Wir laden vom 25. bis 27. November 2022 zur autumn school von connecting communities nach Freiburg ein!
Connecting communities setzt neue Impulse für das Feld des partizipativen Tanzes. Die autumn school bietet an einem Wochenende mit praktischen Workshops, theoretischen Beiträgen und diversen Austauschformaten die Möglichkeit, spannende Ansätze zu erproben und zu diskutieren.

Kuratiert wird die autumn school von den associated artists von Aktion Tanz – Jo Parkes, Lucia Matzke und der nomadic academy mit Anna Konjetzky, Carolin Jüngst, Sahra Huby und Quindell Orton.

Die Veranstaltung wird unterstützt durch DIEHL + RITTER TANZPAKT RECONNECT, gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR, Hilfsprogramm Tanz.

Partner der autumn school: Theater Freiburg, E-Werk Freiburg und Südufer

Ich bin Lucia Matzke und seit Jahresbeginn kooperiere ich als associated artist mit Aktion Tanz. In Rahmen dieser Kooperation schreibe ich ab und zu Kurztexte darüber, was ich so als associated artist mache, die ihr auf unserem Blog verfolgen könnt.

Ich bin Tanzvermittlerin und eine aktive Tänzerin in der Berliner Krump Szene. Was Krump genau ist, woher es kommt und wie ich dazu kam, könnt ihr gerne in meinem letzten Beitrag nachlesen.

In diesem Text würde ich gerne auf ein Projekt aufmerksam machen, das ich super spannend und wichtig finde und an dem ich teilnehmen und das ich teilweise, in Form von einem Krump-Workshop, mitgestalten durfte: Das dancing politics 2022- Trainingsprogramm.

Das dancing politics Team bestehend aus Fanny Kulisch, Georgina Philp, Danja Erni und Ebru Altıntaş hat ein Programm konzipiert, das sich vor allem an Tänzer*innen und Tanzschaffende, sowie Personen aus der Politischen Bildung richtet.
Das ist genau die Schnittstelle, die auch mich schon immer sehr interessiert: Tanz und Politik- dancing politics.

In einem Grundlagentraining wollten wir gemeinsam ergründen, wie man Wissen aus beiden Bereichen zusammenbringen kann, um Räume zu schaffen, in denen sich Menschen mit verschiedensten Eigenschaften möglichst wohl fühlen können. Dies kann nur erreicht werden, wenn unterschiedlichste Formen von möglichen Diskriminierungen und Ungleichbehandlungen mitgedacht und weitestgehend vermieden werden.

Auf den ersten Blick klang das total schlüssig und es erschien mir möglich, dass man mit dem nötigen Wissen auch in der Lage sein kann, solche Räume zu schaffen. Ich dachte, nach dem Grundlagen-Training habe ich dieses nötige Wissen und weiß, was ich alles mitbedenken soll. Außerdem beschäftige ich mich schon seit Jahren mit meiner eigenen Haltung und rassismus- und diskriminierungskritischen Ansichten und versuche diese auch in meiner Tanzpraxis zu berücksichtigen. Krump und Hip-Hop sind beides Kulturen, die u.a. aus Bewegungen entstanden, die sich gegen Rassismus, Diskriminierung und soziale Ungleichheit und dessen Folgen richten. Die Tanzformen sind somit in sich bereits politisch und wer Teil dieser Kultur ist oder sein will, sollte sich auf jeden Fall auch mit diesen Themen und den Hintergründen der Kultur auseinandersetzen. Das war mir auch schon vor dancing politics bewusst.

Dennoch habe ich extrem viel gelernt und musste nun feststellen, dass ich nach wie vor noch viele Leerstellen habe. So ist das ja eigentlich immer mit dem Wissen: Je mehr Du weißt, desto mehr weißt Du, wie viel Du noch nicht weißt.

Das Wochenende hat mir nicht, wie erhofft, Antworten und Erkenntnisse sowie tools mitgegeben, die mir helfen immer diskriminierungsfrei zu handeln oder zu sprechen.

Was ich vor allem mitnehme, sind neue Fragen. Fanny Kulisch vom dancing politics Team sagte mir, dass dies genau so gewollt sei. Es ginge nicht darum, irgendwelche Antworten zu liefern, sondern vielmehr darum, Impulse zu geben, die Denkprozesse anstoßen. Das permanente Fragen stellen (an sich selbst und andere), das Hinterfragen von Strukturen, Wissen und Erkenntnissen, ist Teil des Lernprozesses und sollte auch nie aufhören.

Rassistisches oder diskriminierendes Handeln passiert meistens unbewusst und vor allem ungewollt.

Mein ursprüngliches Ziel war es zu lernen, wie man einen Raum schaffen kann, der ein sogenannter „safe space“ ist, also ein sicherer Raum, der frei von Diskriminierung jeglicher Art ist. Wenn alle Vorkehrungen getroffen würden und so ein safe space geschaffen würde, wäre alles gut und das Ziel erreicht, nahm ich an. Doch im Kontext von Antidiskriminierungsarbeit, funktioniert dieser Ansatz leider nicht, denn auch wenn man bereits jegliche Maßnahmen für einen safe space ergriffen hat, kann Diskriminierung auftreten. Wir sollten also permanent kritisch und offen sein und bleiben.

Das ist eine Erkenntnis, die ich während des Trainings-Wochenendes hatte:

Der „safe space“ existiert nicht. Er ist eine Utopie /ein Ideal, das wir anstreben, aber nicht vollständig erreichen können. Trotzdem ist es wichtig, diesen zu benennen und dem Ideal näher bzw. so nah wie möglich zu kommen. Bewusst danach zu streben hilft, einen kritischen Blick beizubehalten und so ungewollte Grenzüberschreitungen/ diskriminierende Handlungen wahrzunehmen, um sie dann direkt anzusprechen und daraus bestenfalls lernen zu können.

Wichtig ist auch, dass alle sich darüber bewusst sind, dass das Streben nach einem safe space und das Vermeiden von diskriminierenden Handlungen/ Aussagen nicht in der alleinigen Verantwortung der anleitenden Person (von bspw. einem Workshop) liegen.

Alle, die sich im Raum (im weitesten Sinne) befinden, sind mitverantwortlich und sollten mit dazu beitragen, dass sich alle wohlfühlen. Sollte das einmal nicht so sein, sind alle mitverantwortlich mögliche Ursachen für Unwohlsein anzusprechen. Jede Person bringt andere Gegebenheiten und Sichtweisen mit und niemand kann an alles denken. Wir sind also aufeinander angewiesen und sollten offen für Hinweise, aber auch gutmütig mit uns selbst sein.

In der Theorie und in Sprechsituationen ist es einfacher Dinge zu thematisieren als in der Praxis/ im Tanz. Gleichzeitig bietet die Körpersprache vielmehr Freiraum für Variationen und Interpretationen, was auch eine Chance sein kann. Tanz fängt da an, wo Worte nicht mehr reichen. Gemeinsames Tanzen verbindet oft viel schneller und mehr als stundenlanges Miteinandersprechen. Das bedeutet nicht, dass das Sprechen über diese Themen nicht mehr wichtig ist, ganz im Gegenteil. Aber Tanzen hilft, nach so viel Diskutieren und dem Aufzeigen und Benennen von Differenzen, wieder zueinander zu finden.

Das Wochenende bot das ganze Paket: Tanzen, sprechen, lernen, diskutieren –
und ich bin sehr dankbar dabei gewesen zu sein.

Die Nomadic Academy als “associated artists” von Aktion Tanz arbeitet an der Kreation von Score-Karten. Wir suchen nach Einzelpersonen und Gruppen, die daran interessiert sind, die Entwurfsversion dieser Karten zwischen dem 28. Juni und dem 18. Juli zu testen und uns am 19. Juli Feedback zu geben bei einem  Zoom-Meeting, in dem sich alle über ihre Erfahrungen, Gedanken und Fragen austauschen können (19. Juli; 20 Uhr). 

Wenn ihr Lust auf die Teilnahme an diesem Prozess habt, schickt uns bitte eine Mail an reconnect@aktiontanz.de, und ihr erhaltet am 28. Juni die gedruckte Version einiger Karten. Neben eurer Adresse solltet ihr uns kurz schreiben, mit wem ihr das Set erproben wollt (welche Art von Gruppe, Einzelperson).

Diese Karten sind eine Sammlung von Übungen und Aufgaben, die wir im Laufe unserer Arbeit und des Forschungsprojekts Nomadic Academy gesammelt haben. Sie befassen sich mit Themen wie Queerness, Care und Allianzen.

In einem online Workshop unter dem Motto „do & share“ lädt euch die Berliner Krumptänzerin und Tanzvermittlerin Lucia Matzke dazu ein, gemeinsam die Potenziale von Krump im Kontext der Tanzvermittlung und Kulturellen Bildung kennenzulernen und selbst zu erproben.

Krump ist ein junger urbaner Tanzstil, der noch nicht sehr bekannt ist, aber bereits weltweit junge Menschen verbindet, die im Tanz ein Ventil, ein Ausdrucksmittel und eine Support-Struktur / Community gefunden haben, die ihnen hilft mit alltäglichen Lasten fertig zu werden.
Krump ist u.a. die Auseinandersetzung mit sich und den eigenen Emotionen. Wer Krump erfolgreich tanzen/verkörpern will muss „real“-also authentisch sein. Krump schafft einen Raum, in dem Emotionen herausgelassen werden können, die sonst im Alltag unterdrückt werden. Austausch und die gegenseitige Unterstützung dabei, sich weiter zu entwickeln, sind ebenfalls wichtige Elemente der Krump-Kultur. Nach einem kurzen Einblick in die Krump Geschichte folgt ein Praxisteil, in dem ihr die Basics von Krump erprobt. Anschließend reflektieren wir gemeinsam, welche Potenziale die Praktiken aus dem Krump für die Vermittlungsarbeit und die Kulturelle Bildung mit sich bringen.

Anmeldung per Mail an reconnect@aktiontanz.de

Der Zoom-Link wird im Anschluss an die Anmeldung verschickt.

Foto (c): rawchesta

The context

In 2016, Aktion Tanz brought together a group of dance artists working with young people and families arriving in Germany with refugee status to exchange and collate experience and learning in this field. The working group created a publication (Tanzkunst mit geflüchteten Menschen) which offers impulses and recommendations crystallised from research with artists working in this area.

I wish it were not so, but the illegal invasion of the Ukraine and the subsequent forced migration of women and children make this research relevant again. Perhaps it is helpful for those of you working with people arriving from Ukraine or other conflict zones around the world. Much of the publication is in German, but there are some interesting articles in English and some of the key information which might be immediately useful is the content of this blog post.

Before I jump into sharing information, let me explain my own experience of working with families negotiating forced migration and arrival. Mobile Dance (the not-for-profit which I founded and lead) has worked in this context since 2014 with the project JUNCTION. I draw on the experience of being an artist in the room co-leading sessions myself and also my experience of observing, coaching and supporting the many artists who have worked on the project. I am grateful for their ideas, approaches, thoughts and feedback. This text is is the outcome of our collective learning and they are named at the end of this text. I also bring a project conception/management perspective having co-led the project JUNCTION with Barbara Weidner for many years. Barbara is a special educator working with families who have experienced trauma whose training and facilitation of all the artists on the project, as well as her vision in devising project structures, is core to the recommendations given below.

This blog post also brings together the learning of the Aktion Tanz working group who are named below. Here I would like to highlight the contribution of Andrea Marton whose experience and wisdom infuses this text.

If you are wondering if dance can be helpful at this time, it is my experience that it can. Meeting to move together in trauma-sensitive, gentle and joyful ways can provide respite and relief for families. It can provide a space for people to reconnect with their bodies, to play and laugh. It allows young and old alike to come into contact with new communities without the barrier of language, as well as spaces for people to begin processing their experiences.

I will attempt here to summarise some of the key recommendations from the working group in 2015/16 and to fill these with some personal observations. In the publication, we differentiated between general recommendations and recommendations for those working with families in accommodation centres for refugees. Due to space restrictions, I have not made this differentiation here.

I share these recommendations in the spirit which we wrote them: knowing that there is always a gap between what is ideal and what one manages in practice and with the honest confession that we ourselves did not always manage to implement our recommendations in our work. As I revisited our work to write this post, it was helpful to reflect on the mistakes we made, what we learned and what we would do differently now. I hope these reflections might be useful to you.

Some recommendations concerning project structures

For those of you conceiving, fundraising and managing projects

Create a multi-professional team

It is important to have someone in the team who has training and experience in working with those who have experienced trauma. This can be, for example, a specialist educator, a social worker or a (dance) therapist.

Reach out to artists who have recently arrived and support them working if they want to

Be attentive and respectful for when work is supportive and when it creates unbearable additional pressures. Know that this can change quickly. Try to set up teams so artists who have recently arrived can miss sessions easily if necessary. You may need to support colleagues in the teams finding their approach as supporter and ally of their co-worker.

NEVER work alone

2 people leading sessions is OK, 3 is better. This is a context in which participants have survived traumatic experiences and are living in a context which can be re-traumatising. Groups are often changing constellation, are volatile and contain individuals needing one-to-one support. The work may also be done in spaces where it is hard to control the environment (accommodation centres, hostels, schools). It is important to have enough people on the team to respond to these rapidly changing needs.

Place REPETITION and RITUAL at the heart of project structures and individual sessions

It was our experience in the working group that people who have had everything change in their lives responded well to repetition: the same team, coming at the same time, on the same day each week.

Come to stay

Building trust with participants takes a long time in this field. People who have lost so much need time and regular contact to be able to open for the possibilities of the work. It takes patience and commitment. If you can – try to come and stay. At Mobile Dance we managed this for many years by creating a repeating structure (delivered in 10 or 12 week blocks) in which varying teams of artists could work. This allowed freelancers to take other jobs and be in productions without having to commit to working once or twice a week for the whole year. We created the necessary repetition and ritual in the form and shared approach of the team (as well as trying to keep artists with the same group if possible and wanted by all parties). This  recommendation is challenging to fulfil inside of a funding system which is project based and where opportunities to get support for long-term process-based participatory work are too infrequent.

Teams need exchange and supervision

Work in this context is very demanding: the participants might be hard to reach, individuals may respond to exercises in unexpected ways (for example, with aggression, withdrawal or tears). Artists have to respond to sudden reactions quickly and flexibly. Sometimes participants will need to talk about experiences of flight and violence. Artists working in this context need paid supervision sessions: time to exchange with colleagues and with specialist supervisors. They need support to manage their own reactions to their experiences.  As artists are necessarily “learning by doing,” it is important that there is a moderated space for self and peer reflection.

All artists should have diversity training and training in trauma-sensitive work

Nothing to add here. Actually this one is for any artist working in any participatory context.

Some recommendations for “on the ground”

For artists and educators working in creative processes with people

Ask yourself why you want to do this work and why you are there. What is your motivation? What do YOU get from being there?

This recommendation is drawn from the work of Tania Canas who is Arts director of RISE refugee. In 2015, Tania Canas published the text: “10 things you need to consider if you are an artist not of the refugee and asylum seeker community- looking to work with our community.” You can read it here: https://www.riserefugee.org/10-things-you-need-to-consider-if-you-are-an-artist-not-of-the-refugee-and-asylum-seeker-community-looking-to-work-with-our-community/. It is an extraordinarily useful tool for supporting power-critical, anti-discriminatory work. I find circling back through the questions repeatedly in processes helps me to reflect critically on my work and to make changes.

Avoid asking about experiences of flight and migration. Make space to listen if they come

A supportive, safe space for arrival is one which allows self-determination. Feeling required to articulate traumatic experiences can be re-traumatising.

However, working with the body and working in connection with others may initiate the desire to talk about difficult experiences. Many artists working in the field feel unsure how to respond when this happens – me too as I started. I have an approach which was useful for me, which I will share with you through a story.

I remember one workshop where the group of children with whom I was working were sharing the short choreographies they had developed. There was much excitement and laughter (and some tension and conflict) as they prepared to show their work. As the first group began to dance, a young boy who had joined the group that very day walked over and sat beside me. Staring towards the stage, without making eye contact, he began to tell me about his experience fleeing Syria. Barbara Weidner was in the room with me and saw it happening. Without any words – or indeed any communication with me – she took over the caretaking of the group dynamic and the organisation of the sharing. Everyone continued performing and applauding. I sat next to the boy and tried to hold the space for him. As he turned to look at me, I returned eye contact. And then I followed the most useful advice anyone has ever given me about how to hold the space in these situations: I asked him what happened next, and what happened next, until he had told the story until the point where he arrived in safety. The arrival in safety is important. I do not remember who taught me this strategy (if you read this and know it was you I would like to credit you – please let me know!).

Create repeated, ritualised session structures. Repeat the same thing often

Above, I recommend repeating project structures. Here, as I write for those of you leading creative sessions, I want to expand this recommendation to the content of the individual sessions. More than in any other context in which I have worked, I found myself repeating EXACTLY the same every week, with very little development. The group would often insist on doing the same exercise again and again – and often even in the same order. I also saw this in the work of countless colleagues. Repetition builds familiarity, safety and a sense of being able to land in something which one knows.

Food and social events are vital

Make time for social gatherings. Invite parents, social workers, friends.

Say “yes”

If someone makes a suggestion about what they would like to have happen in dance or the context in which you are working, try to do it immediately if you can. Or the next time you come. For us, this led to the quarterly “dance parties” at Uferstudios, where families from different locations in the cities came together to dance, eat, play and listen to music. It also led to some fun formats (“plug and play” where anyone could be DJ for a song was a highlight) as well as countless beautiful performances by the musician Abdulkader Asli and his family.

Allow sessions to be open

In the Aktion Tanz working group, it was a consensus that people should be able to leave sessions when they felt the need and be welcomed back when they wished to return. This allows people to step out if the exercise is too much for them and to self-determine their participation. This is, of course, a challenge for those leading sessions, as it can interrupt processes, particularly if there is pair or group work. This is another good reason for team teaching.

Close groups when necessary

There was also a consensus in the Aktion Tanz working group that some groups need closed spaces (women and girls in particular in our work with families from Syria). These spaces were sometimes hard to create and protect – but all the more important for this.

Be flexible

Have many plans and know that none of them may work on any given day. Stay calm, stay flexible. Feel your feet on the floor. Breathe deep into your stomach. Try to pull back from the situation so you can see it better. Perhaps now you can try something else. Or maybe you need to call a break so you can regroup?

Ask yourself what YOU can do differently

In my many years of supporting artists in participatory settings, I have often heard artists wish for the context of their work to change: “If only the space was….”, “If only the children would….”. If you find yourself doing this, perhaps you could ask yourself if this change is in your control. If so, then, if you can, try to change it (a move of rooms can, for example, be the deciding factor in being able to create a productive environment for creative exchange). If the change you wish for is in the behaviour of those people sharing your process, then I would circle the question back to you: What can YOU do differently?

Perhaps an example will make this recommendation clearer. When working with children in collective accommodation centres, where families live in small spaces and have little self-definition over the basic conditions of their lives, I often experienced that it was impossible to create the quiet moment of arrival at the beginning of a session which I usually want in my work. The children were living crammed together and their bodies were holding stress. This meant that the moment of arrival in our sessions was often chaotic, loud and sometimes full of conflict. Over the years, I tried many approaches to support the arrival of the group and witnessed many other artists search for arrivals which “held” the individuals in the group.

In the end, I found that doing the opposite of my usual beginning rituals worked for me. Instead of creating a calm arrival circle, I gave groups arriving in a chaotic mood a task which amplified their mood: a high energy task with music (including some shaking) to help to release the tension held in their bodies, activate their energy, release endorphins and…make them out of breath (creating a quiet space for me to speak!). I imagined myself surfing the wave of the energy, riding it higher to bring it down. This gave me a moment to welcome them to the session and explain the next task in the short calm(er) space which emerged. It also made it possible to do some gentle, more sensitive, explorations.  When I had arrived in that quiet moment, I observed that it was important that I knew exactly what I wanted to say. I had a brief moment and needed to communicate clearly and in as few words as possible. I spend considerable time before workshops in any context practicing the words I will use to introduce tasks, so they are concise and clear. I find it helpful to say them out loud a few times in preparation.

(Try to) Know your own responsibilities

You cannot meet all the needs of the people who you will meet. I found it hard sometimes to go home when people needed help with things outside of the dance workshop – even if I did not know exactly how to help. I learned that there are people better placed to help with needs which require specialist networks, knowledge and skills. If someone needs support and you find yourself at the edges of your knowledge, experience or capacities, your role could be to find who else might be able to support. Ideally, you will have found out in advance who to ask if something is not your responsibility. Try to develop a network of organisations offering specialist advice and support. Talk to your colleagues, your supervisor, your multi-professional team, your network…

Credits

This post turned out to be very long. Once I started it felt hard to stop! Thanks for taking the time to read it and I hope it is helpful to you in some way. Feel free to share it and feel free to get in touch with me if you want to give me feedback or continue the exchange of information. My email address is at the end of the post.

The artists working on JUNCTION: Johanna Ackva, Lola Agostini, Ibrahem Al-Abed, Ben Hasan Al-Rim, Ahmad Alfil, Akiles, Nada Al Aswad, Katrina Bastian, Florian Bilbao, Sophie Brunner, Josep Caballero, Camille Chapon, Francisco Cuervo, Katerina Delakoura, Elena Dragonetti, Forough Fami, Anke Full, Frhad Gaafar, Kaveh Ghaemi, Bella Hager, Chada Halawani, Abdullah Hatem, Ulrich Huhn, Inna Kannwischer, Tea Kolbe, Lea Martini, Lara Martelli, Magdalena Meindl, Yara Mennel, Caroline Meyer-Picard, Lilly Pöhlmann, Anna Luise Recke, Kiana Rezvani, Sunayana Shetty, Natalia Torales, Marianne Tuckman, Julia Turbahn, Mariana Vieira, Elisa Zucchetti.

The Aktion Tanz conception group: Suna Göncü, Martina Kessel, Andrea Marton, Jo Parkes, Barbara Weidner.

Contributors to the research and publication: Muhamed Al-Agaili (Akiles), Mia Sophia Bilitza, Christa Coogan, Sabine Damir-Geilsdorf, Bea Kießlinger, Anna-Lu Masch, Ronja Nadler, Sofie Olbers, Daniela Rodriguez Romero, Azadeh Sharifi, Julia zur Lippe.

Funding: The project JUNCTION was delivered in partnership with Uferstudios and supported by ChanceTanz, a project of the „Aktion Tanz e.V.“ within the framework of the programme „Kultur macht stark. Alliances for Education“ programme of the BMBF.  JUNCTION is part of Berlin Mondiale. Berlin Mondiale is a project run by Kulturnetzwerk Neukölln e.V. Berlin Mondiale is funded by the Senate Department for Culture and Europe. JUNCTION was also supported by the Ruck-Stiftung. The research and publication of the working groups was funded by the Ministry for Family, Children, Youth, Culture and Sport of the State of North Rhine-Westphalia.

Reference

Canas, T. (2015). ‘10 things you need to consider if you are an artist not of the refugee and asylum seeker community looking to work with our community.’ Available at: https://www.riserefugee.org/10-things-you-need-to-consider-if-you-are-an-artist-not-of-the-refugee-and-asylum-seeker-community-looking-to-work-with-our-community/ (Accessed: 6 February 2022) 

Contact

joparkes@f-gehrs

(C) Foto: Elly Clarke

Die Veranstaltung gibt Tanzschaffenden den Raum, sich über Tanzangebote zur Unterstützung von Menschen aus Konfliktgebieten auszutauschen. Wir wollen Erfahrungen teilen, vernetzen, und Bereiche identifizieren, in denen Unterstützung benötigt wird.
Der Austausch richtet sich an alle Tanzkünstler:innen, die ein kreatives Angebot für Neuankömmlinge machen (wollen) und an Personen, die zu Communities gehören oder mit ihnen arbeiten, die bereits seit vielen Jahren durch das deutsche Asylsystem navigieren. Angesprochen sind ebenfalls Künstler:innen, die in Deutschland ankommende Kolleg:innen unterstützen möchten oder selbst erst vor kurzem hier angekommen sind.

Nach einem kurzen Input werden wir den größten Teil der Sitzung den Fragen und Themen widmen, die von den Anwesenden vorgeschlagen werden, um in Kleingruppen bedarfsgerecht zu diskutieren.

Bei dieser zweiten Veranstaltung werden Jo Parkes (assoziierte Künstlerin bei Aktion Tanz und künstlerische Leiterin von Mobile Dance) und Martina Kessel (Aktion Tanz) von der nomadic academy (assoziierte Künstler:innen bei Aktion Tanz) begleitet, die über ihr Notfall-Residenzprogramm für performative Künstler:innen aus der Ukraine sprechen werden.

Bei dieser Gelegenheit möchten wir erneut auf die 2015/16 entstandene Publikation (Tanzkunst mit geflüchteten Menschen) hinweisen, die Impulse und Empfehlungen aus der Arbeit mit Künstler:innen enthält, die mit Familien und Gruppen arbeiten, die 2015/16 hauptsächlich aus Syrien kamen.

Die Veranstaltung findet in deutscher und englischer Sprache statt.

Wir bitten um eine kurze Anmeldung über reconnect@aktiontanz.de, damit wir wissen, mit wie vielen Teilnehmern wir rechnen können.

Eine Anmeldebestätigung wird nicht verschickt. Den Zoom-Link zur Veranstaltung finden man bereits hier:

https://us06web.zoom.us/j/87962994701?pwd=MDNMcExmTWNlazdueXAzZnBadzd0dz09
Meeting-ID: 879 6299 4701
Kenncode: 475559

K.R.U.M.P.

Mein Name ist Lucia Matzke und ich bin Berliner Krumptänzerin und Tanzvermittlerin. Im Rahmen meiner Kooperation mit Aktion Tanz als associated artist möchte ich mit Euch Kurztexte teilen, die Eindrücke aus der Krump-Welt schildern und Euch mitnehmen in die weltweit verbreitete Krump-Kultur und dessen Geschichte. Aber was ist Krump überhaupt und wieso ist das relevant? Dieser Text ist der Geschichte und meinem persönlichen Bezug zu Krump gewidmet.

Krump ist ein sehr junger urbaner Tanzstil, der noch nicht sehr bekannt ist, aber bereits weltweit junge Menschen verbindet, die in Tanz ein Ventil, ein Ausdrucksmittel und eine Support-Struktur / Community gefunden haben, die ihnen hilft mit alltäglichen Lasten fertig zu werden.

Kingdom Radically Uplifted Mighty Praise – K.R.U.M.P.

Krump kommt von der Straße, genauer genommen aus L.A. und kann als eine Widerstandsbewegung angesehen werden. Etwa 2002 schlossen sich junge Tänzer:innen zusammen, die ein Ventil für die Emotionen suchten, die sich ansammeln, wenn man in einem von sozialer Ungleichheit, Gewalt und Rassismus geprägten Alltag aufwächst und erschufen gemeinsam einen neuen Stil: KRUMP.

Die Begründer*innen sind ehemalige Clown Tänzer:innen, die damals mit„Tommy the Clown“ durch die Nachbarschaft von L.A. zogen und die Menschen mit Tanzeinlagen unterhielten. Das Ziel von „Tommy the Clown“ war es, einen positiven Beitrag in seiner Community zu leisten und zugleich Jugendliche von der Straße zu holen, sie zu Clown-Tänzer:innen auszubilden und darüber hinaus in gewisser Weise auch eine Vater:rolle zu übernehmen und darauf Acht zu geben, dass seine Schützlinge (seine Lil Homies) nicht vom rechten Weg abkommen. Ein paar seiner Schützlinge, unter ihnen Tight Eyez, Big Mijo, Miss Prissy und Lil C, wollten aber mehr als nur zu unterhalten und zu performen. Sie strebten nach Ausdruck, einem Ventil, das ihnen half ihre alltäglichen Erfahrungen zu verarbeiten.

Weg von Entertainment, hin zu Krump. Der Dokumentarfilm „RIZE“, der 2005 veröffentlicht wurde, zeigt genau diese Dringlichkeit Raum für Ausdruck und Verarbeitung zu schaffen, die zur Entstehung von Krump führte.

„RIZE“ trug auch einen großen Teil dazu bei, dass Krump nach Europa kam. Fragt man die erste Generation von Krump Tänzer:innen in Europa, also die sogenannten O.G‘s Europas, wie sie zu Krump gekommen sind, wird mehr als die Hälfte antworten: „Ich habe XY getanzt / Ich habe Fußball gespielt… und dann habe ich RIZE gesehen und wollte das auch machen!“

„You don`t choose Krump, but Krump finds you”–

Ich weiß nicht mehr, wer das zu mir gesagt hat, aber fast alle, die ich kenne, die auch Krump tanzen, haben damit angefangen, weil sie sich plötzlich so gefühlt haben: „Ich wusste gar nicht, dass ich genau das gebraucht habe.“

Ich selbst gehöre der 4. Generation in Deutschland an und habe „RIZE“ erst viel später gesehen (für jede:n Krumper:in übrigens ein Muss). Etwa 2009 sah ich das erste Mal Krump Tänzer:innen in Berlin. Viele Tanzcrews bauten Krump-Elemente in ihre Shows ein und Krumper:innen nahmen an Tanzbattles teil und hinterließen einen bleibenden Eindruck. Zu dieser Zeit hatte Krump in Berlin eine aktive Hochphase.

Mir gefielen vor allem die Stärke und die Kraft, die den Krump-Bewegungen innewohnte. Schließlich besuchte ich einen Krump-Kurs in einer Tanzschule in Berlin-Kreuzberg. Euphorisch berichtete ich meiner älteren Schwester, die auch tanzte, wie das Drillen (eine Bewegung, wieder und wieder ausführen, um diese zu verinnerlichen) von Jabs Emotionen in mir freisetzte, von denen ich zuvor gar nicht wusste, dass diese in mir steckten. Unterdrückte, vermeintlich negative Gefühle, wie Aggressionen wurden freigesetzt und transformiert in die harten Faustschläge (Jabs), die wir drillten. Mit der Schließung der Tanzschule wurde auch mein Bezug zu Krump für die nächsten Jahre auf Eis gelegt. Erst Jahre später knüpfte ich über meinen HipHop Lehrer und Berliner Krumptänzer O.G. Prince MIK Ofori Kontakte zur aktiven Krump Community in Berlin und so eröffnete sich 2017 eine komplett neue Welt, die nun nicht mehr aus meinem Leben wegzudenken ist.

Dass Krump viel mehr ist als kraftvolle starke Bewegungen, wurde sehr schnell klar. Anders als ich es in dem damaligen Krump-Kurs erlebt hatte, sprach hier niemand von einer Choreografie. Krump ist ein Freestyle Tanz, ein Ausdrucksmittel für das, was Dich beschäftigt und im wahrsten Sinne des Wortes, für das, was Dich bewegt.
Krump hilft Dir dabei, Dich mit Dir selbst auseinanderzusetzen und verleiht Dir die Freiheit, deine ungefilterten Gefühle rauszulassen, die im Alltag oft unterdrückt werden.

Aber wie geht das? Wie schafft es Krump als Tanzpraxis an sich, den Tanzenden dabei zu helfen, einen eigenen Ausdruck und sich selbst durch den Tanz neu zu erleben? Das Gefühl von Befreiung, von „etwas rauslassen zu können“ hatte ich ja schon nach meiner ersten Krumpstunde, ohne den Tanz wirklich zu kennen und zu verstehen.

Die Betrachtung der Herkunft und Entstehungsgeschichte von Krump zeigen, dass genau dieser Befreiungsakt von äußeren (oft auch negativen) Einflüssen essenziell für Krump ist.

KRUMP BASICS

Viele der kennzeichnenden Bewegungen werden mit solch einer Härte und Explosivität ausgeführt, dass Krump auf den ersten Blick aggressiv erscheint. „Stomps“ beispielsweise erinnern an ein Aufstampfen, das mit Wut assoziiert werden könnte. „Jabs“ wiederum ähneln einem schnellen Faustschlag. Diese gewisse Härte, die dem Tanz innewohnt, ist sicherlich auf den Entstehungshintergrund zurückzuführen.

Krump wurde nicht dazu erschaffen, um Leute zu unterhalten oder Zuschauende zu beeindrucken. Krump war ein Akt der Selbstermächtigung (Empowerment) von Jugendlichen für Jugendliche, die aus schwierigen Lebensumständen und Erfahrungen etwas Positives schafften: TANZ.

SESSION

In einer Krump-Session geht es darum, über sich hinauszuwachsen. Die tanzende Person wird von den Umstehenden angefeuert. Durch diesen Hype kommt es zu einem intensiven Energie-Austausch, der es den Tanzenden ermöglicht, die eigenen körperlichen oder mentalen Grenzen zu überwinden. Der Hype ist nicht darauf reduziert, besonders krasse Moves durch das Anfeuern anzuerkennen, wie es in anderen urbanen Stilen üblich ist. Die Zuschauenden sind Teil des Dialogs. Die tanzende Person gibt etwas, das Publikum antwortet mit Hype und die Energie steigert sich so immer höher und höher. Den Höhepunkt in so einer Session-Runde nennt man Get-Off. Wie in einer Art Trance machen Krump Tänzer:innen hier Dinge, von denen sie selbst nicht glaubten, dazu fähig zu sein.

Dieser gegenseitige Support findet sich nicht nur in der Session, sondern geht darüber hinaus: Es ist eine soziopolitische Praxis, welche jungen Menschen auf der ganzen Welt eine familiäre Struktur* und einen Zufluchtsort bietet.

Ich schreibe hier ganz bewusst eine „familiäre Struktur“, da die Gruppen innerhalb von Krump tatsächlich als FAM`s bezeichnet werden. Mehr dazu sowie eine intensivere Auseinandersetzung damit, wieso Krump als eine empowernde Praxis angesehen werden kann, erfahrt ihr in den nächsten Texten.